Die besten Filme von 2023, bisher | Vanity Fair

Von Richard Lawson

Zwischen Kinos und Streaming-Diensten gibt es viel zu durchsuchen, wenn Sie die besten Filme von 2023 finden möchten. Um Ihnen diese Mühe zu ersparen und Ihnen Zeit zu sparen, führen wir eine laufende Liste guter Filme, die im Laufe des Jahres eröffnet werden. Existenzialistische Unruhe, kluge Spannung und Zerstörung warten. Und ja, die meisten der unten aufgeführten Filme sind entweder in Kinos zu sehen oder können gestreamt oder ausgeliehen werden (oder werden bald verfügbar sein). Viel Spaß beim Anschauen.

Auf den ersten Blick scheint die witzige und wunderbar gespielte Komödie der Autorin und Regisseurin Nicole Holofcener einfach nur ein leichter Ausflug durch das reiche Manhattan zu sein. Aber wie sie es immer tut, hat Holofcener tiefere Dinge im Sinn. You Hurt My Feelings ist eine scharfe und oft ergreifende Studie über die Mechanik der Liebe und wie die Bereitschaft, zu unterstützen und zu ermutigen, manchmal die genau umgekehrte Wirkung haben kann. Es ist ein cleverer und nachdenklicher Film über kleine Lügen und gutgemeinte Nachsicht, der klug in seiner detaillierten Beobachtung menschlichen Verhaltens ist. Und welche Menschlichkeit Holofcener als Hauptdarstellerin gewählt hat: Julia Louis-Dreyfus (die auch in Holofceners Genug gesagt hervorragend ist) spielt auf strahlende Weise die Hauptrolle, genauso geschickt mit der würzigen Komödie des Films wie mit seinem verschwommenen Drama. Es ist eine überaus charismatische Leistung, die in einer gerechten Welt von Preisverleihungen am Ende des Jahres anerkannt werden würde.

Eines der bemerkenswertesten Debüts der letzten Jahre, das Jahrzehnte und Kontinente umspannende romantische Drama der Regisseurin Celine Song, eroberte im Januar Sundance im Sturm. Obwohl "Sturm" etwas Aggressives impliziert, ist Past Lives mit all seinen zarten emotionalen Einblicken sicherlich nicht so. Stattdessen ist es ein trauriger, schwelender und graziler Blick auf die Reisen der Immigration und des Älterwerdens, der eine Geschichte über zwei alte Freunde und vielleicht Liebhaber erzählt. Der Film begleitet Nora (gespielt als Erwachsene von Greta Lee) und Hae Sung (gespielt als Erwachsener von Teo Yoo), frühe Jugendfreunde in Seoul, die scheinbar für immer getrennt werden, als Noras Familie nach Kanada zieht. Past Lives verfolgt ihre anfänglich zögerliche und dann mit vollem Herzen stattfindende Wiedervereinigung Jahre später, während sie die Realitäten ihres erwachsenen Selbsts mit ihrer träumerisch erinnerten Jugend in Einklang bringen. Song hüllt die metaphysischen Fragen ihres Films in wunderschönes, sommerliches Licht und erschafft ein sanft schwingendes Porträt des Lebens in seinen unendlichen Dimensionen und Möglichkeiten. Past Lives ist ein unbedingt sehenswerter Juwel eines Films, der viele gute Dinge für seine aufstrebende Schöpferin erahnen lässt. (In begrenzten Kinos ab 2. Juni)

Das Anschauen des lebendigen und epischen Films über Männerfreundschaft von Felix van Groeningen und Charlotte Vandermeersch ist wie das Lesen eines zufriedenstellenden Romans. (Tatsächlich basiert der Film auf dem Buch von Paolo Cognetti.) Er hat Gewicht und Breite und erstreckt sich über Jahrzehnte, indem er die Bindung zwischen zwei Italienern verfolgt, während sie ihre Kindheit hinter sich lassen und sich in die Mannesjahre wagen. Die erzählerischen Wendungen des Films mögen gegen Ende etwas großspurig werden, aber das Vorherige ist reichhaltig und bewegend. Die Acht Berge ist unter anderem ein sensibler Blick auf die Klassengesellschaft in einem von wirtschaftlichen Problemen geplagten Land und ein Zeugnis dafür, wie die Erfahrungen der Jugend das ganze Leben prägen können. Ein Großteil dieses Dramas spielt vor atemberaubenden Alpenkulissen, die in solch grandioser Schönheit gefilmt wurden, dass Die Acht Berge im IMAX gezeigt werden sollte. (In Kinos ab 28. April)

Der grandiose und düstere Film des Regisseurs Hlynur Pálmason über einen dänischen Pfarrer, der am Ende des 19. Jahrhunderts nach Island reist, ist keine leichte Angelegenheit. Der Film ist karg und zurückhaltend, eine Wanderung durch eine raue und öde Landschaft hin zu, nun ja, nichts Gutes. Doch Godland ist in all dieser Anstrengung und Kämpfen einnehmend – der Film ist eine wirksam düstere und verzweifelte Meditation über Glauben, Eitelkeit und Kolonialismus. Während ein Großteil seines Films ästhetisch ist, verwendet Pálmason einige beeindruckende Techniken, um die unheimliche Stimmung existenzieller Unruhe zu verstärken. Godland ist mit Sicherheit keine lockere Unterhaltung, belohnt aber Geduld und Investitionen.

Ein nervenaufreibender Öko-Thriller, der gleichzeitig eine überzeugende Botschaft der Aktivisten darstellt, vibriert der Film von Daniel Goldhaber vor Dringlichkeit. Eine Gruppe von 20-Somethings unterschiedlicher Herkunft und aus dem ganzen Land kommt zusammen, um dem Titel des Films gerecht zu werden. Ihre Überlegung ist, dass nachdem alle möglichen friedlichen Klima-Aktivitäten gescheitert sind, radikales Handeln ergriffen werden muss. Der Film liefert ein würdiges philosophisches, politisches und moralisches Argument und dient gleichzeitig als fesselnde Variation des Heist-Films. Wie man eine Pipeline in die Luft jagt, könnte eine Veränderung im Umgang der Kultur mit der Klimakrise darstellen, wenn eine jüngere Generation heranwächst und für ihre Zukunft kämpft.

Der zweite Spielfilm des australischen mazedonischen Filmemachers Goran Stolevski (seine erste Arbeit war das exquisite You Won't Be Alone aus dem letzten Jahr) ist eine Coming-Out-Geschichte, sozusagen. In zwei Teilen erzählt Of an Age von Kol (Elias Anton), der zu Beginn des Films ein Jugendlicher im Schrank ist und zufällig auf den älteren Bruder eines Freundes, Adam (Thom Green), trifft. Eine Anziehungskraft entsteht und wird vollzogen, aber die Lebenswege der beiden jungen Männer gehen auseinander. Ein Zeitsprung enthüllt, dass sie als voll verwirklichte Erwachsene vielleicht immer noch füreinander brennen. Stolevski scheint von Andrew Haighs wegweisender schwuler Liebesromanze Weekend beeinflusst worden zu sein; es gibt eine ähnliche Wehmut, eine diskursive Mitteilungsfreudigkeit, ein benebeltes Gefühl der Nähe in Of an Age. Aber Stolevski hat seinen Film mit eigenen Texturen durchzogen und betrachtet dabei die balkanische Diaspora in Australien und erlaubt auch etwas sanften Humor. Obwohl das Ende von Of an Age erschreckend abrupt ist, ist vieles von dem, was zuvor geschehen ist, süß, erotisch und weise über den Prozess des Coming-Outs vor allem vor sich selbst.

Davy Chous eindrucksvoller und eigenwilliger Film begleitet eine junge Frau namens Freddie (Park Ji-min), die in Südkorea geboren wurde, aber von französischen Eltern adoptiert wurde. Gegen den Willen ihrer Eltern reist Freddie nach Korea, um ihre leibliche Familie zu suchen. Sie sucht natürlich nach bestimmten Menschen, aber sie greift auch nach etwas Unbestimmtem. Return to Seoul erstreckt sich über fast ein Jahrzehnt, in dem Freddie nach einem Ort in der Welt sucht. Sie ist eine faszinierende Figur, stachelig und launisch und zeitweise unmoralisch. Aber Chou entwickelt seinen Film schließlich zu etwas Mitfühlendem, einer bittersüßen Collage eines jungen Lebens im Wandel.

Nachdem sie den fünften Teil des Scream-Films ruinös vermasselt haben, gab es keinen Grund, den Leuten hinter diesem Film - den Regisseuren Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett, den Drehbuchautoren James Vanderbilt und Guy Busick - zu vertrauen, dass sie die Serie wieder in Ordnung bringen könnten. Und doch ist ihre Fortsetzungs-Fortsetzung, eine Fortführung einer langen Saga, die geografisch nach New York City verlagert wurde, eine überraschende Freude. Die neuen Charaktere, die in V eingeführt wurden, sind in VI besser ausgearbeitet, klüger und sympathischer und somit tatsächlich unterstützenswert. (Auch die erfahrene Schauspielerin Courteney Cox bekommt ihren verdienten Platz.) Es gibt viele spannende und spaßige Schreckmomente, das Filmemachen ist sowohl präzise als auch fröhlich locker, und die Enthüllung des Mörders ist angenehm albern. Obwohl es immer noch weit entfernt von der Eleganz des Originals von Wes Craven liegt, ist Scream VI die beste Folge der Serie seit dem zweiten Film. Es ist scharf und spannend und hat meinen Glauben an eine einst geschätzte und dann schlechter werdende Marke wiederentfacht.

Ein Film, wie sie heutzutage nicht oft genug gemacht werden, Benjamin Carons verwirrendes Betrugsspiel ist ein intellektueller Genuss. Die Besetzung - Justice Smith, Briana Middleton, Sebastian Stan und die wunderbar zwielichtige Julianne Moore - balanciert perfekt zwischen dem Sexy und dem Finsteren und lässt sich auf ein cleveres Drehbuch ein. Caron, der in Großbritannien hauptsächlich als Fernsehregisseur bekannt ist, hat ein gutes Rhythmusgefühl und einen Blick für Komposition. Sharper ist poliert und anspruchsvoll, vergisst aber nie, dass es im Kern ein schmieriger kleiner B-Film ist. Was großartig ist! Möge es mehr kompakte, raffinierte Filme wie diesen geben, die eine gute Geschichte erzählen und nicht an Ästhetik sparen (Sharper wurde auf Film gedreht), wie es viele Filme der Streaming-Anbieter tun. Hoffentlich erreichen wir eines Tages wieder eine Zeit, in der Filmen wie Sharper angemessene Kinoveröffentlichungen erhalten.

Kelly Reichardt präsentiert mit Showing Up vielleicht ihren lebendigsten und herzlichsten Film, der wunderlich und sanft komisch den Entstehungsprozess von Dingen beleuchtet. Ihre häufige Mitarbeiterin Michelle Williams ist voller Seufzer und Schnauben eine Bildhauerin, die in Portland, Oregon lebt, ihr Geld an einem örtlichen Kunstinstitut verdient und ihre Freizeit für ihre kreative Arbeit verwendet. Reichardt hänselt liebevoll die Eitelkeiten und Neurosen eines Milieus, das sie gut kennt, während sie auch (auf leise Weise) etwas Großes darüber sagt, welchen Zweck die Kunst erfüllen soll. Leichtfüßig und scharfsinnig ist Showing Up ein Muss für alle, die an ihren eigenen Leidenschaften herumbasteln.

Die erstaunlich gestaltete Filmdebüt der Regisseurin A.V. Rockwell ist eine hervorragende Bühne für ihren Star Teyana Taylor. Taylor verkörpert geschickt eine Frau, die versucht, einen Geheimnis voranzutreiben, in ihrer ersten großen dramatischen Rolle. Inez, gespielt von Taylor, wurde gerade erst aus dem Gefängnis entlassen und entführt ihren Sohn aus der Pflegefamilie, um mit ihm ein neues Leben anzufangen und sich in Uptown Manhattan zu verstecken. Der Junge, Terry, wächst auf, ohne zu wissen, dass seine Mutter eine Art Flüchtige ist, was sich stark auf seine Bildungschancen auswirken wird. Bis auf eine unnötige, überraschende Wendung inszeniert Rockwell dieses schwere Thema mit wenig Melodramatik. Ihr Film ist bescheiden, aber fein gestaltet im zurückhaltenden Stil. (Sie filmt New York City wunderschön.) Es ist ein vielversprechendes Regiedebüt und eine großartige Wiederankündigung für ihren Star.

Das belgische Regieduo Luc Dardenne und Jean-Pierre Dardenne beschäftigt sich erneut mit den sozialen Randbereichen ihres Landes in diesem ehrlichen und vernichtenden Blick auf zwei Kinder, die im bürokratischen Einwanderungsdschungel verstrickt sind. Sowohl Tori (Pablo Schils) als auch die Teenagerin Lokita (Joely Mbundu) sind Flüchtlinge aus Westafrika, doch die belgischen Einwanderungsbehörden werden nur einem von ihnen eine ordnungsgemäße Dokumentation geben. Dadurch geraten beide noch weiter an den Rand, wo ein kriminelles Element lauert, das auf seine Chance zur Ausnutzung wartet. Tori and Lokita ist ein fast unerträglich spannender, lo-fi Thriller, der eine strenge, ernsthafte moralische Gewichtung mit sich bringt. Auch nach einer langen Karriere liefern die Dardennes weiterhin relevante und tiefgreifende Arbeit.

Wes Andersons neuester Film ist sowohl eine Rückkehr zu Form als auch eine raffinierte Erweiterung der humanistischen Impulse des Regisseurs. Die Geschichte von unterschiedlichen Menschen (gespielt von einer prominenten Auswahl an Schauspielern), die in einer kleinen Wüstenstadt in der Blütezeit des Atomzeitalters gefangen sind, behandelt Themen wie Trauer und Einsamkeit, Romantik und existentialistisches Staunen. In seiner schönen Diorama-Box enthält Asteroid City ein bezauberndes Bild des Lebens in nahezu seiner Gesamtheit, mit all der Seltsamkeit, Süße und Arrhythmie des Seins. Darüber hinaus stoßen Andersons strukturelle Raffinessen - Asteroid City ist ein Stück innerhalb einer Fernsehübertragung innerhalb eines Films - nicht ab, wie es in jüngsten Vergangenheitsarbeiten der Fall war. Stattdessen findet Asteroid City eine wahre Bedeutung in seinen Ebenen und bietet in schwierigen und verwirrenden Zeiten eine Art tröstender Schulterklopfen oder tröstender Umarmung.

Aus einigen Perspektiven ist Oppenheimer Christopher Nolans ehrgeizigste Arbeit. Vielleicht nicht in Bezug auf geistverdrehende Konzepte oder wagemutige Set-Pieces, aber definitiv in Bezug auf seine Themen und dramatische Absicht. Nolans Film erzählt die Geschichte von J. Robert Oppenheimers Arbeit, um das atomare Wettrüsten zu gewinnen und ist schnelllebig und detailliert, eine fiebrige Reise zur Schaffung eines Albtraums und ein ernüchternder Blick auf das, was danach kam. Cillian Murphy ist unheimlich magnetisch in der Titelrolle und verfolgt Oppenheimers Werdegang vom neugierigen Erfinder zum betrübten Elternteil einer schrecklichen neuen Ära. Scharf und gelehrt ist Oppenheimer eine geschickt getarnte Sommergegenprogrammierung, die als Blockbuster verpackt und geliefert wird.

Ein romantischer Drama-Film ohne viel Romanze, Ira Sachs' bezaubernde Charakterstudie untersucht den leichtsinnigen Mann im Zentrum eines zwischenmenschlichen Sturms. Der großartige Franz Rogowski - eitel, bemitleidenswert und vibrierend vor rastloser Energie - spielt einen Filmregisseur namens Tomas, der das relativ zufriedene Eheleben (mit Martin, gespielt von Ben Whishaw) durch eine Affäre mit einer Pariser Schullehrerin, Agathe (Adèle Exarchopoulos), stört. Beziehungen zerbrechen, heilen und zerbrechen erneut in diesem intelligenten, lustigen, evokativen Film. Voll von Sex und Gesprächen (die Grundlage so vieler Paarungen) schlendert Passages auf seine anspruchsvolle Art und Weise zu einem mysteriös ergreifenden Schluss: ein Bild eines Mannes, der auf rastloser Bewegung feststeckt.

In Fortsetzung der Tradition von The Big Short und anderen antidepressiven Blicken auf die Geldboom und -pleiten im deregulierten Amerika, ist Craig Gillespies Dumb Money, der jetzt in den Kinos läuft, eine stressige, aber unterhaltsame Komödie über das GameStop-Meme-Aktienphänomen. Der Film folgt einem renitenten Daytrader und seinen vielen eifrigen Anhängern - einige von ihnen zynische Internet-Trolle, andere ganz normale Leute, die versuchen, in den vom 1 Prozent dominierten Wohlstandsstrom einzusteigen. Gemeinsam setzen sie sich gegen Leerverkäufe von Hedgefonds gegenüber der Videospiel-Einzelhandelskette zur Wehr, indem sie den Aktienkurs in die Höhe treiben, zur Verärgerung der Wall Street-Räuber, die es gewohnt sind, die Hebel der Wirtschaft ohne Einmischung der kleinen Leute zu ziehen. Die begeisternde populistische Botschaft des Films mag ein wenig verworren sein - es ist eine Feier einer anderen Art des Handels auf dem Markt, nicht eine Anklage gegen den Handel auf dem Markt als die hinterhältige Erfindung, die er ist - aber Gillespie hält den Film überzeugend und fesselnd, unterstützt von gut inszenierten Leistungen von Paul Dano, Seth Rogen (als Bösewicht) und America Ferrera.

Während es sicherlich eine gewisse Spannung in Justine Triets packendem Film gibt, ist es eher ein Drama als ein Thriller, eine Untersuchung ins Unbekannte. Wie gut kennen wir eigentlich diejenigen, die uns am nächsten stehen? Wie gut kennen wir unser eigenes Herz, unsere eigene Fähigkeit zu lieben und zu erzürnen? Sandra Hüller gibt Triets Film eine kraftvolle Intelligenz und verrät niemals ein moralisches Urteil über ihre Figur - eine Frau, die beschuldigt wird, ihren Ehemann ermordet zu haben, was möglicherweise ein schrecklicher Unfall war. Hüllers Leistung gehört zu den großen Leistungen des Jahres, so wandelbar und vielschichtig wie Triets sich ständig verändernder Film. Anatomy of a Fall ist entweder ein Krimi oder die traurige Geschichte eines Missgeschicks, ein Blick auf eine Ehe, die an ihren schlimmsten Wendepunkt gebracht wurde oder abrupt in der Mitte eines Satzes unterbrochen wurde. Wie auch immer, Anatomy of a Fall ist eine atemberaubende, provokative Unterhaltung, ein würdiger Gewinner der Cannes Palme d'Or und welcher anderen Auszeichnungen es auch immer in den kommenden Monaten erhalten mag.

Es ist schon lange her, seit Regisseur Alexander Payne das letzte Mal ein stachliges kleines Stück Leben serviert hat. The Holdovers ist eine willkommene Rückkehr zu den Formen von Nebraska und Sideways, herb und verschwommen zugleich. Paul Giamatti, der seit Private Life seine überzeugendste Leistung bietet, spielt einen bedauernswerten, betrunkenen Lehrer an einem Internat, dem die Aufgabe übertragen wird, einen zurückgelassenen Schüler über die Winterferien in den frühen 1970er Jahren zu beaufsichtigen. Newcomer Dominic Sessa ist als problematischer Schüler eine tollpatschige, bezaubernde Offenbarung, während Da'Vine Joy Randolph als Cafeteria-Mitarbeiterin, die sich um diese chaotischen Männer kümmert und dabei mit ihrer eigenen tiefen Traurigkeit zu kämpfen hat, unschätzbare Unterstützung bietet. Paynes Weltsicht wurde durch das Alter gemildert; wo er vor 20 Jahren möglicherweise bösartig gewesen wäre, wendet er sich stattdessen der zerrütteten Empathie zu. Er findet Anmut im chaotischen, indem er einen müden, niedergeschlagenen älteren Mann zeigt, wie er sich von der lebhaften Anmaßung der Jugend aus dem Stillstand herauslocken lässt. The Holdovers ist ein sehr guter Weihnachtsfilm und ein großartiger Neujahrsfilm: ein Blick auf Vorsätze, die diesmal wirklich halten könnten.

Ein Jahr nach dem Bombast und dem Trubel von Elvis bietet Sofia Coppola eine sanfte Ergänzung. Sie konzentriert sich auf Priscilla Presley, die den weltberühmten Rockstar kennenlernte, als sie erst 14 Jahre alt war und mit ihrer Familie auf einem Militärstützpunkt in Deutschland lebte. Coppolas Film ist sich sicherlich der problematischen Aspekte dieser Beziehung bewusst - Priscillas Jugend; Elvis' strenge Kontrolle über ihr Leben in Graceland -, aber Priscilla ist keine düstere, didaktische Neubewertung der Geschichte. Der Film ist nachdenklich und ruhig, leicht, aber nicht gewichtslos. Er folgt einer jungen Frau, während sie die harten Realitäten hinter dem Nebel eines Traums erkennt und stetig ihre eigene Handlungsfähigkeit entdeckt, während sie von dem wachsenden Vermächtnis ihres Ehemanns überschattet wird. Es ist ein coming-of-age Film - mit leise wirkender Arbeit von Cailee Spaeny und Jacob Elordi -, der behutsam einen Aufstieg in das hart erkämpfte Erwachsenenleben skizziert. Priscilla findet ihre Unabhängigkeit, während sie stolz und wehmütig weiß, dass sie für immer untrennbar mit etwas Außerhalb von ihr verbunden ist, etwas Ewigem.

Martin Scorsese’s film is long and grinding. So too is America’s history of greedy, racist violence, a truth laid painstakingly bare in this careful, curatorial adaptation of David Grann’s nonfiction book. Robert De Niro and Leonardo DiCaprio play terrible men doing terrible things in 1920s Oklahoma. Specifically, they are robbing and murdering Osage people to steal their money, their land, and their oil, a microcosm of the larger genocide that stains and defines the nation. As Mollie Burkhart, one of the Osage people preyed upon, Lily Gladstone gives the film a beating heart, even if that thump is faint amid such degradation and ruin. Killers of the Flower Moon may be yet another Scorsesian examination of violent men and the organizations they build around their impulses. But it does something different, more expansive, than do, say, Goodfellas or Gangs of New York. Like The Irishman before it, Killers of the Flower Moon finds its golden-years filmmaker at a point of weary reconsideration. The thrill is gone, and what’s left is only the horror—the bloody aftermath of an avarice perhaps uniquely ours.

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