Las Mejores Películas de 2023, Hasta Ahora | Vanity Fair

Por Richard Lawson

Entre cines y plataformas de streaming, hay mucho que filtrar si quieres encontrar las mejores películas de 2023. Para ahorrarte ese esfuerzo y ahorrarte algo de tiempo, estamos haciendo una lista continua de buenas películas para ver a medida que se estrenan durante todo el año. Angustia existencial, emociones literarias y devastación te esperan. Y sí, la mayoría de las películas mencionadas a continuación están en los cines o disponibles para transmisión o alquiler (o lo estarán pronto). Disfruta viendo.

A primera vista, la ingeniosa y bellamente interpretada comedia de la escritora y directora Nicole Holofcener parece ser una mera comedia ligera a través de Manhattan rico. Pero como siempre hace, Holofcener tiene cosas más profundas en mente. You Hurt My Feelings es un estudio agudo y a menudo conmovedor de los mecanismos del amor, cómo su voluntad de apoyar y fomentar a veces puede tener el efecto contrario exacto. Es una película inteligente y reflexiva sobre mentiras piadosas e indulgencia bienintencionada, sabia en su detallada observación del comportamiento humano. Y qué persona tan humana ha elegido Holofcener como protagonista: Julia Louis-Dreyfus (quien también es excelente en Enough Said de Holofcener) ofrece una actuación radiante, tan naturalmente diestra con la comedia picante de la película como con su drama sombrío. Es una actuación inmensamente carismática, que en un mundo justo, sería reconocida por los organismos que otorgan premios al final del año.

Una de las películas debut más impactantes de los últimos años, el drama romántico de Celine Song que abarca décadas y continentes cautivó a Sundance en enero. Aunque "cautivó" implica algo agresivo, algo que Past Lives, con toda su delicada visión emocional, ciertamente no es. En cambio, es una mirada triste, arrebatadora y elegante a los viajes de la inmigración y el envejecimiento, contando una historia sobre dos viejos amigos y tal vez amantes. La película sigue a Nora (interpretada por Greta Lee en su etapa adulta) y Hae Sung (interpretado por Teo Yoo en su etapa adulta), amigos adolescentes en Seúl que se separan, aparentemente para siempre, cuando la familia de Nora se muda a Canadá. Past Lives traza su reunión inicialmente tentativa y luego sincera años después, mientras reconcilian las realidades de sus seres adultos con su juventud soñada. Song envuelve las preguntas metafísicas de su película en una hermosa luz veraniega, tejiendo un retrato melodioso de la vida en sus dimensiones infinitas y sus posibilidades de puertas corredizas. Past Lives es una joya de película que hay que ver, que augura muchas cosas buenas para su creadora novel. (En cines limitados el 2 de junio)

Ver la película vívida y abarcadora de Felix van Groeningen y Charlotte Vandermeersch sobre la amistad masculina es como leer una novela satisfactoria. (De hecho, la película está basada en el libro de Paolo Cognetti). Tiene peso y amplitud y abarca décadas, trazando el vínculo entre dos italianos mientras dejan la infancia atrás y se adentran en la vida adulta. Los giros narrativos de la película pueden volverse un poco grandiosos hacia el final, pero lo que precede a eso es rico y conmovedor. The Eight Mountains es, entre otras cosas, una mirada sensible a la clase en un país dividido por problemas económicos, y un testimonio de cómo la experiencia adolescente puede dar forma a toda una vida. Gran parte de este drama se desarrolla en impresionantes vistas alpinas, filmadas con una enormidad tan hermosa que The Eight Mountains debería mostrarse en IMAX. (En cines el 28 de abril)

La grandiosa y sombría película del director Hlynur Pálmason, sobre un sacerdote danés que viaja a Islandia a finales del siglo XIX, no es fácil de ver. La película es austera y reservada, un viaje a través de un paisaje áspero y desolado hacia, bueno, nada bueno. Pero Godland resulta envolvente en todo ese esfuerzo y lucha: la película es una meditación efectivamente sombría y desesperanzada sobre la fe, la vanidad y el colonialismo. Si bien gran parte de su película es austera, Pálmason utiliza algunas técnicas llamativas para mejorar el estado de ánimo inquietante de la angustia existencial. Godland de ninguna manera es para ver de manera casual, pero recompensa la paciencia y la inversión.

Un emocionante thriller ecológico que también funciona como una persuasiva pieza de mensaje activista, la película de Daniel Goldhaber vibra con urgencia. Un grupo de veinteañeros de diferentes orígenes y de todo el país se unen para hacer realidad el título de la película. Su razonamiento es que dado que toda clase de activismo pacífico contra el cambio climático ha fallado, se deben tomar acciones radicales. La película plantea un argumento filosófico, político y moral digno, al tiempo que sirve como una variante convincente del género de atracos. How to Blow Up a Pipeline puede representar un cambio en el enfoque de la cultura hacia la crisis climática, a medida que una generación más joven llega a la mayoría de edad y comienza a luchar por su futuro.

La segunda película del cineasta macedonio-australiano Goran Stolevski (su primera fue la exquisita You Won't Be Alone del año pasado) es una historia de salir del clóset, en cierto sentido. Dividida en dos partes, Of an Age se centra en Kol (Elias Anton), quien comienza la película como un adolescente en el clóset que tiene un encuentro fortuito con el hermano mayor de un amigo, Adam (Thom Green). Surge una atracción que se consuma, pero las vidas de estos dos jóvenes están en caminos divergentes. Un salto en el tiempo revela a dos adultos más realizados, tal vez aún llevando antorchas el uno por el otro. Stolevski parece haber sido influenciado por la emblemática película romántica gay de Andrew Haigh, Weekend; hay una melancolía similar, una charlatanería discursiva, una sensación embriagadora de cercanía en Of an Age. Pero Stolevski ha impregnado su película con texturas propias, explorando la diáspora balcánica en Australia y permitiendo un poco de humor sutil. Aunque el final de Of an Age es sorprendentemente abrupto, mucho de lo que ocurre antes es dulce, erótico y sabio acerca del proceso de salir del clóset, principalmente hacia uno mismo.

Evocadora y peculiar, la película de Davy Chou sigue a una joven mujer, Freddie (Park Ji-min), que nació en Corea del Sur y fue adoptada por padres franceses. En contra de los deseos de esos padres, Freddie viaja a Corea para buscar a su familia biológica. Está buscando personas específicas, por supuesto, pero también está buscando algo intangible. Return to Seoul abarca casi una década mientras Freddie lucha por encontrar su lugar en el mundo. Es una creación fascinante, espinosa, mercurial e inmoral por un tiempo. Pero Chou finalmente moldea su película en algo compasivo, un collage agridulce de una joven vida en cambio constante.

Después de hacer un lío ruinoso con la quinta película de Scream, no había razón para confiar en que las personas detrás de esa película -los directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, los guionistas James Vanderbilt y Guy Busick- pudieran enmendar la franquicia. Y sin embargo, su secuela, una continuación de una larga saga ahora ubicada en la ciudad de Nueva York, es una sorprendente delicia. Los nuevos personajes presentados en la quinta entrega están mejor elaborados en la sexta, más astutos y agradables, y por lo tanto, realmente valen la pena apoyar. (La veterana Courteney Cox también recibe su merecido). Abundan los sustos divertidos y emocionantes, la cinematografía es nítida y alegremente despreocupada, y el revelador del asesino es amigablemente tonto. Aunque todavía está lejos de la elegancia de la película original de Wes Craven, Scream VI es la mejor entrega de la serie desde la segunda película. Es mordaz, emocionante y ha vuelto a encender mi fe en una marca que una vez fue querida y luego se desgastó.

Una película del tipo que no se hace con frecuencia en estos días, el enrevesado juego de estafa de Benjamin Caron es un placer cultivado. El elenco -Justice Smith, Briana Middleton, Sebastian Stan y una fabulosamente engañosa Julianne Moore- equilibran perfectamente lo sexy y lo siniestro, adentrándose en un guion inteligente con estilo. Caron, conocido principalmente como director de televisión en el Reino Unido, tiene un agudo sentido del ritmo y un ojo para la composición. Sharper es pulida y sofisticada, pero nunca olvida que es, en el fondo, una pequeña película B sórdida. ¡Lo cual es genial! Ojalá haya más películas compactas y hábiles como esta, películas que cuenten una buena historia y no escatimen en estética (Sharper fue filmada en película) como tantas películas originales de plataformas de transmisión. Esperemos que algún día lleguemos a una época en la que películas como Sharper reciban estrenos teatrales adecuados.

Kelly Reichardt ofrece tal vez su película más animada y cálida hasta ahora con esta mirada melancólica y cómica a la creación de cosas. La colaboradora frecuente de la directora, Michelle Williams, suspira y resopla de manera líquida como escultora que vive en Portland, Oregon, ganándose la vida en un colegio de artes local y dedicando su tiempo libre a cuidar su producción creativa. Reichardt bromea amorosamente con las pretensiones y las neurosis de un ambiente que conoce bien, al mismo tiempo que dice algo bastante grande (de manera tranquila) sobre para qué deben servir las artes. Melódica pero afilada, Showing Up es una película imprescindible para todos aquellos que están trabajando en sus propias pasiones.

El film bien estructurado del director debutante A.V. Rockwell es una magnífica exhibición para su estrella, Teyana Taylor. Taylor, abordando su primer papel dramático con fuerza, personifica fluidamente a una mujer tratando de mantenerse por delante de un secreto. Inez, interpretada por Taylor, recientemente liberada de prisión, secuestra a su hijo del cuidado de crianza y se escapa hacia una nueva vida con él, escondiéndose en el norte de Manhattan. El niño, Terry, crece sin saber que su madre es algo así como una fugitiva, un hecho que afectará fuertemente sus oportunidades educativas. A excepción de un giro innecesario y tardío, Rockwell presenta este tema tan pesado con poco melodrama. Su película es humilde, aunque finamente confeccionada con un estilo contenido. (Ella filma la ciudad de Nueva York bellamente). Es un auspicioso debut cinematográfico y una grandiosa reaparición para su estrella.

El dúo de directores belgas Luc Dardenne y Jean-Pierre Dardenne ofrecen otra consideración de los márgenes sociales de su país con esta mirada franca y devastadora a dos niños atrapados en la maraña burocrática de inmigración. Tanto Tori (Pablo Schils) como la adolescente Lokita (Joely Mbundu) son refugiados de África Occidental, aunque las autoridades de inmigración belgas solo otorgarán la documentación adecuada a uno de ellos. Lo que fuerza a ambos a sumergirse aún más en las periferias, donde acecha un elemento criminal, esperando explotarlos. "Tori y Lokita" es un thriller casi insoportablemente tenso y de bajo presupuesto que lleva consigo un severo y solemne peso moral. En lo más profundo de una carrera llena de éxitos, los Dardenne siguen creando trabajos tan relevantes e incisivos como siempre.

Lo nuevo de Wes Anderson es tanto un regreso a la forma como una expansión reflexiva de los impulsos humanistas del director. La historia de personas dispares (interpretadas por una selecta variedad de actores) atrapadas en un pequeño pueblo del desierto en la cúspide de la Era Atómica, "Asteroid City" considera asuntos de duelo y soledad, romance y asombro existencial. Contenida en su encantadora caja de diorama, se encuentra una hermosa imagen de la vida en su casi totalidad, toda la extrañeza, dulzura y arritmia del existir. Además, los toques estructurales de Anderson —"Asteroid City" es una obra de teatro dentro de una transmisión televisiva dentro de una película— no alienan como lo hicieron en sus últimos esfuerzos. En cambio, "Asteroid City" encuentra un verdadero significado en sus capas, ofreciendo algo así como una consoladora palmada en el hombro o un abrazo delicado en tiempos difíciles y confusos.

Desde ciertas perspectivas, "Oppenheimer" es la obra más ambiciosa del director Christopher Nolan hasta el momento. Quizás no en términos de conceptos de ensueño o escenas audaces, sino definitivamente en términos de temas e intención dramática. Al contar la historia del trabajo de J. Robert Oppenheimer para ganar la carrera armamentista nuclear, la película de Nolan es rápida y detallada minuciosamente, un viaje febril hacia la creación de una pesadilla y una mirada sobria a algunas de las consecuencias que le siguieron. Cillian Murphy resulta magnéticamente inquietante en el papel titular, trazando la trayectoria de Oppenheimer desde un inventor curioso hasta un penoso padre de una terrible nueva era. Aguda y culta, "Oppenheimer" es un contraprograma de verano disfrazado—y presentado—como un blockbuster.

Un drama romántico sin mucho romance, el cautivador estudio de personaje de Ira Sachs examina al hombre imprudente en el centro de una tormenta interpersonal. El gran Franz Rogowski—presumido, digno de piedad, vibrando con una energía inquieta—interpreta a un director de cine, Tomas, quien perturba la relativa satisfacción de su matrimonio (con Martin, interpretado por Ben Whishaw) al embarcarse en una aventura amorosa con una profesora parisina, Agathe (Adèle Exarchopoulos). Las relaciones se quiebran, se curan y se vuelven a quebrar en esta película inteligente, divertida y evocadora. Llena de sexo y conversaciones (la base de tantos encuentros), "Passages" divaga, en su manera elevada, hacia una conclusión misteriosamente conmovedora: una imagen de un hombre de alguna manera atrapado en un movimiento incesante.

Continuando la tradición de The Big Short y otras miradas anticopas sobre cómo el dinero prospera y se desploma en la América desregulada, Dumb Money de Craig Gillespie, que se encuentra actualmente en cines, es una comedia estresante pero entretenida sobre el fenómeno de las acciones meméticas de GameStop. La película sigue a un day trader renegado y a sus muchos devotos ansiosos, algunos de ellos cínicos trolls de internet, otros simplemente personas comunes que buscan aprovechar el flujo de riqueza dominado por el 1%, mientras resisten la venta en corto de los fondos de cobertura de la cadena minorista de videojuegos al aumentar su precio de las acciones, para consternación de los invasores de Wall Street que están demasiado acostumbrados a manipular la economía sin interferencia del ciudadano común. El mensaje populista enérgico de la película puede ser un poco confuso, es una celebración de un tipo diferente de comercio de mercado, no un escarnio del comercio de mercado como la invención insidiosa que es, pero Gillespie mantiene la película persuasiva y cautivadora, ayudado por actuaciones bien interpretadas de Paul Dano, Seth Rogen (como un villano) y America Ferrera. Por Anna Peele Por Savannah Walsh Por David Canfield Si bien ciertamente hay algo de suspenso en la cautivante película de Justine Triet, es más un drama que un thriller, una investigación sobre lo incognoscible. ¿Cuánto conocemos realmente a aquellos que están más cerca de nosotros? ¿Cuánto conocemos realmente nuestros propios corazones, nuestras propias capacidades para el amor y la ira? Sandra Hüller ancla la película de Triet con una inteligencia feroz, sin traicionar el juicio moral de su personaje, una mujer acusada de asesinar a su esposo en lo que pudo haber sido realmente un terrible accidente. La actuación de Hüller es una de las mejores del año, tan escurridiza y polifacética como la película en constante cambio de Triet. Anatomy of a Fall es tanto un misterio de asesinato como la triste historia de un accidente, una mirada a un matrimonio llevado al peor punto de quiebre o interrumpido cruelmente a mitad de una oración. De cualquier manera, Anatomy of a Fall es una enérgica y provocativa película, un digno ganador de la Palma de Oro de Cannes y cualquier otro premio que obtenga en los próximos meses. Han pasado mucho tiempo desde que el director Alexander Payne ofreció por última vez un pequeño y punzante fragmento de vida. The Holdovers es un regreso bienvenido a las formas de Nebraska y Sideways, tanto agrio como borroso. Paul Giamatti, quien realiza su trabajo más atractivo desde Private Life, interpreta a un profesor de internado triste y borracho encargado de cuidar a un estudiante abandonado durante las vacaciones de invierno a principios de la década de 1970. El recién llegado Dominic Sessa es una revelación gangly y encantadora como ese estudiante problemático, mientras que Da'Vine Joy Randolph brinda un apoyo invaluable como una trabajadora de la cafetería encargada de alimentar a estos hombres desordenados mientras atiende su propia profunda tristeza. La visión del mundo de Payne se ha suavizado con la edad; donde podría haber sido malo hace unos 20 años, en cambio recurre a la empatía desaliñada. Encuentra la gracia en lo caótico, retratando a un hombre mayor cansado y oprimido mientras permite que la molesta vitalidad de la juventud lo saque de su estasis. The Holdovers es una muy buena película navideña y una gran película de Año Nuevo: una mirada a resoluciones que pueden mantenerse esta vez. Por Anna Peele Por Savannah Walsh Por David Canfield Un año después del alboroto y la fanfarria de Elvis, Sofia Coppola ofrece un suave complemento. Se centra en Priscilla Presley, quien conoció al rockero más famoso del mundo cuando tenía solo 14 años, viviendo con su familia en una base militar en Alemania. La película de Coppola ciertamente es consciente de los aspectos problemáticos de esta relación: la juventud de Priscilla; la rígida gestión de Elvis de su vida en Graceland; pero Priscilla no es una visión desgarradora y didáctica de la historia. La película es reflexiva y tranquila, leve pero no liviana. Sigue a una joven a medida que se da cuenta de las duras realidades que se esconden detrás de la bruma de un sueño, descubriendo constantemente su agencia mientras vive tan ensombrecida por el creciente legado de su esposo. Es una película de crecimiento, que presenta un trabajo discretamente efectivo de Cailee Spaeny y Jacob Elordi, que mapea delicadamente un ascenso hacia la adultez ganada con dificultad. Priscilla encuentra su independencia, mientras sabe, con orgullo y melancolía, que está eternamente ligada a algo fuera de ella, algo eterno. Por Anna Peele Por Savannah Walsh Por David Canfield

Martin Scorsese’s film is long and grinding. So too is America’s history of greedy, racist violence, a truth laid painstakingly bare in this careful, curatorial adaptation of David Grann’s nonfiction book. Robert De Niro and Leonardo DiCaprio play terrible men doing terrible things in 1920s Oklahoma. Specifically, they are robbing and murdering Osage people to steal their money, their land, and their oil, a microcosm of the larger genocide that stains and defines the nation. As Mollie Burkhart, one of the Osage people preyed upon, Lily Gladstone gives the film a beating heart, even if that thump is faint amid such degradation and ruin. Killers of the Flower Moon may be yet another Scorsesian examination of violent men and the organizations they build around their impulses. But it does something different, more expansive, than do, say, Goodfellas or Gangs of New York. Like The Irishman before it, Killers of the Flower Moon finds its golden-years filmmaker at a point of weary reconsideration. The thrill is gone, and what’s left is only the horror—the bloody aftermath of an avarice perhaps uniquely ours.

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