Les Meilleurs Films de 2023, Jusqu'à Présent | Vanity Fair

Par Richard Lawson

Entre les cinémas et les plateformes de streaming, il y a beaucoup de choses à trier si vous voulez trouver les meilleurs films de 2023. Pour vous épargner cet effort et vous faire gagner du temps, nous tenons une liste des bons films à regarder au fur et à mesure de leur sortie tout au long de l'année. Malaise existentiel, frissons littéraires et dévastation vous attendent. Et oui, la plupart des films énumérés ci-dessous sont soit en salle, soit disponibles en streaming ou en location (ou le seront bientôt). Bon visionnage.

À première vue, la comédie spirituelle et magnifiquement jouée de la scénariste-réalisatrice Nicole Holofcener semble être une simple balade légère à travers Manhattan fortuné. Mais comme elle le fait toujours, Holofcener aborde des sujets plus profonds. You Hurt My Feelings est une étude tranchante et souvent poignante des mécanismes de l'amour, montrant comment son désir de soutien et d'encouragement peut parfois avoir l'effet exactement inverse. C'est un film intelligent et réfléchi sur les petits mensonges et les indulgences bien intentionnées, sage dans son observation détaillée du comportement humain. Et quelle actrice Holofcener a choisie pour le rôle principal : Julia Louis-Dreyfus (qui est également excellente dans Enough Said de Holofcener) offre une interprétation éclatante, aussi habile et naturelle dans la comédie piquante que dans le drame sombre du film. C'est une performance extrêmement charismatique, qui devrait, dans un monde juste, être reconnue par les organismes de remise de prix en fin d'année.

L'un des premiers films les plus marquants de ces dernières années, le drame romantique de Celine Song, qui traverse des décennies et des continents, a fait sensation au festival de Sundance en janvier. Bien que le terme "sensation" implique quelque chose d'agressif, ce n'est certainement pas le cas de Past Lives, avec toute son analyse émotionnelle délicate. Au contraire, c'est un regard triste, émouvant et élégant sur les voyages de l'immigration et du vieillissement, racontant l'histoire de deux vieux amis et peut-être amants. Le film suit Nora (interprétée adulte par Greta Lee) et Hae Sung (interprétée adulte par Teo Yoo), deux amis d'enfance à Séoul qui sont séparés, apparemment pour toujours, lorsque la famille de Nora déménage au Canada. Past Lives retrace leurs retrouvailles initialement timides puis sincères des années plus tard, alors qu'ils concilient la réalité de leur vie d'adulte avec leurs souvenirs rêveurs de jeunesse. Song enveloppe les questions métaphysiques de son film dans une magnifique lumière estivale, créant un portrait mélodieux de la vie dans ses dimensions infinies et ses possibilités de portes coulissantes. Past Lives est un joyau à ne pas manquer, qui augure de bonnes choses pour sa jeune créatrice. (En salle limitée le 2 juin)

Voir le film vivant et épique de Felix van Groeningen et Charlotte Vandermeersch sur l'amitié masculine, c'est comme lire un roman satisfaisant. (En effet, le film est basé sur le livre de Paolo Cognetti.) Il a de la substance et de l'étendue et couvre des décennies, retracant le lien entre deux Italiens qui abandonnent l'enfance et se lancent dans l'âge adulte. Les rebondissements narratifs du film peuvent devenir un peu grandioses vers la fin, mais ce qui précède est riche et émouvant. Parmi autres choses, The Eight Mountains est un regard sensible sur la classe dans un pays déchiré par des problèmes économiques, et un témoignage de la façon dont l'expérience adolescente peut façonner toute une vie. Une grande partie de ce drame se déroule dans des paysages alpins à couper le souffle, filmés avec une telle grandeur magnifique que The Eight Mountains devrait être projeté en IMAX. (En salle le 28 avril)

Le grand et sombre film de Hlynur Pálmason, sur un prêtre danois qui se rend en Islande à la fin du XIXe siècle, n'est pas facile à regarder. Le film est austère et retenu, un voyage à travers des paysages durs et désolés vers, eh bien, rien de bon. Mais Godland se révèle enveloppant dans toute cette tension et cette lutte - le film est une méditation sombre et désespérée sur la foi, la vanité et le colonialisme. Bien que la plupart de son film soit austère, Pálmason utilise quelques techniques voyantes pour renforcer l'atmosphère inquiétante d'un mal-être existentiel. Godland n'est en aucun cas un film facile à regarder, mais il récompense la patience et l'investissement.

Un thriller écologique audacieux qui sert également de témoignage convaincant pour l'activisme, le film de Daniel Goldhaber vibre d'urgence. Un groupe de personnes dans la vingtaine, venant de différents horizons et de tous les coins du pays, se rejoignent pour mettre en œuvre le titre du film. Leur réflexion est que puisque toutes sortes d'activisme pacifique pour le changement climatique ont échoué, une action radicale doit être entreprise. Le film présente un argument philosophique, politique et moral convaincant, tout en étant également une variation captivante sur le film de casse. Comment faire exploser un gazoduc peut représenter un changement dans l'approche de la crise climatique par la culture, alors qu'une nouvelle génération atteint l'âge adulte et commence à se battre pour son avenir.

Le deuxième long métrage du cinéaste macédonien australien Goran Stolevski (son premier était le superbe You Won't Be Alone de l'année dernière) est une histoire de coming-out, en quelque sorte. Raconté en deux parties, Of an Age se concentre sur Kol (Elias Anton), qui commence le film en tant qu'adolescent cachant son homosexualité et qui fait une rencontre fortuite avec le frère aîné d'un ami, Adam (Thom Green). Une attraction naît et se concrétise, mais les deux jeunes hommes suivent des chemins différents. Un saut dans le temps les révèle comme des adultes plus accomplis, peut-être toujours épris l'un de l'autre. Stolevski semble avoir été influencé par le film gay romantique révolutionnaire d'Andrew Haigh, Weekend. On retrouve une nostalgie similaire, une bavardage discursif, une ambiance chaleureuse dans Of an Age. Mais Stolevski tisse son film avec sa propre texture, en se penchant sur la diaspora balkanique en Australie et en permettant un humour doux. Bien que la fin de Of an Age soit déconcertante, une grande partie de ce qui précède est doux, érotique et sage sur le processus d'affirmation de soi, principalement envers soi-même.

Évocateur et décalé, le film de Davy Chou suit une jeune femme, Freddie (Park Ji-min), qui est née en Corée du Sud avant d'être adoptée par des parents français. Contre la volonté de ses parents adoptifs, Freddie se rend en Corée pour retrouver sa famille biologique. Elle cherche des personnes spécifiques, bien sûr, mais elle cherche aussi quelque chose d'intangible. Return to Seoul s'étend sur près d'une décennie alors que Freddie lutte pour trouver sa place dans le monde. C'est une création fascinante, épineuse et changeante, et pendant un moment, immorale. Mais Chou parvient finalement à donner à son film une touche de compassion, une collation douce-amère d'une vie de jeunesse en mouvement.

Après avoir fait un gâchis ruineux du cinquième film Scream, il n'y avait aucune raison de croire que les personnes derrière ce film, les réalisateurs Matt Bettinelli-Olpin et Tyler Gillett, les scénaristes James Vanderbilt et Guy Busick, pourraient redresser la franchise. Et pourtant, la suite de cette saga, qui se déroule désormais à New York, est une agréable surprise. Les nouveaux personnages introduits dans le cinquième sont mieux développés dans le sixième, plus astucieux et plus sympathiques, ce qui les rend réellement dignes d'être soutenus. (La vétérane Courteney Cox obtient également sa part.) Les frissons bondissent joyeusement, la réalisation est à la fois nette et joyeusement libre, et la révélation du tueur est agréablement stupide. Bien qu'il soit encore loin de l'élégance de l'original de Wes Craven, Scream VI est le meilleur épisode de la série depuis le deuxième film. Il est incisif, plein de suspense et a ravivé ma foi en une marque autrefois chérie, puis ternie.

Un film de type qu'on ne fait pas assez souvent ces jours-ci, le jeu de dupes tortueux de Benjamin Caron est un plaisir littéraire. Le casting - Justice Smith, Briana Middleton, Sebastian Stan et une Julianne Moore fabuleusement ambigüe - équilibre parfaitement le côté sexy et sinistre, se régalant d'un scénario intelligent avec panache. Caron, principalement connu comme réalisateur de télévision au Royaume-Uni, possède un sens aigu du rythme et un sens de la composition. Sharper est poli et sophistiqué, mais n'oublie jamais qu'il est, fondamentalement, un petit film de série B sordide. Et c'est génial ! Puissent-il y avoir plus de films compacts et astucieux comme celui-ci, des films qui racontent une bonne histoire et ne lésinent pas sur l'esthétique (Sharper a été tourné sur pellicule), contrairement à de nombreux films originaux des plateformes de streaming. Espérons qu'un jour, des films comme Sharper bénéficieront de véritables sorties en salles comme ils le méritent.

Kelly Reichardt nous offre peut-être son film le plus animé et le plus chaleureux avec cette vision mélancolique et doucement comique de la fabrication des choses. La collaboratrice fréquente du réalisateur, Michelle Williams, est toute en soupirs aqueux et en grognements dans le rôle d'une sculptrice vivant à Portland, dans l'Oregon, gagnant sa vie dans un collège d'arts locaux et consacrant son temps libre à son travail créatif. Reichardt se moque avec amour des prétentions et des névroses d'un milieu qu'elle connaît bien, tout en disant quelque chose de plutôt grand (de façon calme) sur les fins que l'art est censé atteindre. Enjoué mais tranchant, Showing Up est un incontournable pour tous ceux qui bricolent leurs passions.

Première réalisation prometteuse du réalisateur A.V. Rockwell, ce film élégamment réalisé est une excellente vitrine pour sa star, Teyana Taylor. Dans son premier grand rôle dramatique, Taylor incarne avec force une femme qui tente de garder une longueur d'avance sur un secret. Inez, le personnage interprété par Taylor, tout juste sortie de prison, kidnappe son fils placé en famille d'accueil et s'enfuit avec lui pour commencer une nouvelle vie, se cachant dans le quartier huppé de Manhattan. Le garçon, Terry, grandit sans savoir que sa mère est en quelque sorte une fugitive, un fait qui pèsera lourdement sur ses perspectives éducatives. Mis à part un retournement de situation inutile à la fin, Rockwell traite ce sujet grave avec peu de mélodrame. Son film est modeste, bien que réalisé avec style et retenue. (Elle filme magnifiquement la ville de New York.) C'est un début prometteur en tant que réalisatrice et une magnifique réaffirmation pour sa star.

Le duo de réalisateurs belges Luc Dardenne et Jean-Pierre Dardenne nous offre une autre réflexion sur les marges sociales de leur pays avec ce regard franc et dévastateur sur deux jeunes empêtrés dans les méandres de la bureaucratie de l'immigration. Tori (interprété par Pablo Schils) et l'adolescente Lokita (Joely Mbundu) sont tous deux des réfugiés d'Afrique de l'Ouest, mais les autorités belges de l'immigration ne fourniront des documents officiels qu'à l'un d'entre eux. Ce qui les pousse tous les deux encore plus en marge, où un élément criminel guette, attendant de les exploiter. Tori et Lokita est un thriller presque insoutenable de tension, au style dépouillé, qui porte un poids moral rigoureux et solennel. Les Dardenne, très expérimentés, réalisent un travail aussi pertinent et fouillé que jamais.

Le dernier film de Wes Anderson est à la fois un retour aux sources et une expansion réfléchie des impulsions humanistes du réalisateur. L'histoire de personnes disparates (interprétées par une constellation d'acteurs célèbres) prisonnières d'une petite ville désertique à l'apogée de l'ère atomique, Asteroid City aborde les questions du deuil, de la solitude, de la romance et de l'émerveillement existentiel. Contenu dans sa charmante boîte diorama, ce film offre un tableau charmant de la vie dans presque sa totalité, avec toutes les bizarreries, douceurs et irrégularités de l'existence. De plus, les éléments structurels d'Anderson - Asteroid City est une pièce de théâtre dans une émission télévisée dans un film - n'aliènent pas comme dans ses récents efforts. Au contraire, Asteroid City trouve un véritable sens dans ses couches, offrant quelque chose comme une caresse réconfortante sur l'épaule - ou une étreinte gracieuse - en ces temps difficiles et confus.

D'un certain point de vue, Oppenheimer est l'œuvre la plus ambitieuse du réalisateur Christopher Nolan. Peut-être pas en termes de concepts hallucinants ou de séquences audacieuses, mais certainement en termes de thèmes et d'intention dramatique. Racontant l'histoire du travail de J. Robert Oppenheimer pour remporter la course aux armements nucléaires, le film de Nolan est rapide et détaillé, un voyage fiévreux vers la création d'un cauchemar et un coup d'œil sobre sur une partie de ce qui est survenu par la suite. Cillian Murphy est étrangement magnétique dans le rôle-titre, retraçant la trajectoire d'Oppenheimer, de l'inventeur curieux au parent désolé d'une nouvelle ère terrible. Incisif et cultivé, Oppenheimer est un contre-programme estival habilement emballé - et délivré - comme un blockbuster.

Un drame romantique sans beaucoup de romance, cette étude de personnage envoûtante réalisée par Ira Sachs examine l'homme inconscient au centre d'une tempête relationnelle. Le grand Franz Rogowski - prétentieux, pitoyable, vibrant d'une énergie inquiète - incarne un réalisateur de films, Tomas, qui perturbe la relative plénitude de son mariage (avec Martin, joué par Ben Whishaw) en entamant une liaison avec une professeure parisienne, Agathe (Adèle Exarchopoulos). Les relations se fissurent, guérissent et se fissurent à nouveau dans ce film intelligent, drôle et évocateur. Rempli de sexe et de paroles (la base de tant de unions), Passages erre, de manière sophistiquée, vers une conclusion mystérieusement poignante : l'image d'un homme en mouvement constant.

Continuant dans la tradition de The Big Short et d'autres regards antic-dépressifs sur la manière dont l'argent prospère et fait faillite dans une Amérique déréglementée, Dumb Money de Craig Gillespie, actuellement au cinéma, est une comédie stressante mais divertissante sur le phénomène des actions-mème GameStop. Le film suit un day trader rebelle et ses nombreux disciples enthousiastes - certains d'entre eux sont des trolls cyniques d'internet, d'autres sont simplement des gens ordinaires cherchant à profiter du courant de richesse si largement dominé par le 1 pour cent - alors qu'ils résistent à la vente à découvert des fonds spéculatifs de la chaîne de vente au détail de jeux vidéo en faisant monter son cours en bourse, au grand dam des pillards de Wall Street qui ont l'habitude de manipuler l'économie sans interférence de l'homme ordinaire. Le message populiste enthousiasmant du film peut être un peu confus - c'est une célébration d'un type différent de trading sur le marché, et non une exécration du trading sur le marché en tant qu'invention insidieuse - mais Gillespie rend le film convaincant et captivant, aidé par des performances bien réalisées de Paul Dano, Seth Rogen (dans le rôle d'un méchant) et America Ferrera.

Alors qu'il y a certainement du suspense dans le film captivant de Justine Triet, c'est plus un drame qu'un thriller, une enquête sur l'inconnu. À quel point connaissons-nous vraiment ceux qui nous sont les plus proches ? À quel point connaissons-nous vraiment nos propres cœurs, nos propres capacités d'amour et de colère ? Sandra Hüller ancre le film de Triet avec une intelligence farouche, ne trahissant jamais de jugement moral envers son personnage - une femme accusée du meurtre de son mari, qui aurait en réalité été un terrible accident. La performance d'Hüller est l'une des meilleures de l'année, aussi changeante et multifacettes que le film lui-même en perpétuelle mutation de Triet. Anatomy of a Fall est soit un mystère de meurtre, soit l'histoire triste d'un accident, un regard sur un mariage poussé au pire point de rupture ou sur un mariage cruellement interrompu en plein milieu d'une phrase. Quoi qu'il en soit, Anatomy of a Fall est un divertissement éblouissant et provocateur, un digne lauréat de la Palme d'Or de Cannes et de tous les autres prix qu'il remportera dans les mois à venir.

Cela fait longtemps que le réalisateur Alexander Payne n'a pas offert une petite tranche de vie aigrelette. The Holdovers est un retour bienvenu aux formes de Nebraska et Sideways, à la fois mordant et brumeux. Paul Giamatti, dans son travail le plus séduisant depuis Private Life, joue un professeur d'école à pensionnat désolé et ivre chargé de surveiller un élève resté à l'école pendant les vacances d'hiver au début des années 1970. Le néophyte Dominic Sessa est une révélation gauche et attachante en tant qu'élève à problèmes, tandis que Da'Vine Joy Randolph apporte un soutien précieux en tant que cantinière chargée de nourrir ces hommes désordonnés tout en s'occupant de sa propre tristesse profonde. La vision du monde de Payne s'est adoucie avec l'âge ; là où il aurait pu être méchant il y a 20 ans environ, il se tourne plutôt vers une empathie éraillée. Il trouve la grâce dans le chaos, dépeignant un homme plus âgé fatigué et opprimé qui permet à la jeunesse pleine de vivacité de le sortir de la stagnation. The Holdovers est un très bon film de Noël et un excellent film du Nouvel An : un regard sur des résolutions qui pourraient vraiment tenir cette fois-ci.

Un an après la démesure et l'agitation d'Elvis, Sofia Coppola offre un complément doux. Elle se concentre sur Priscilla Presley, qui a rencontré la plus célèbre rock star du monde alors qu'elle n'avait que 14 ans, vivant avec sa famille sur une base militaire en Allemagne. Le film de Coppola est certainement conscient des aspects troublés de cette relation - la jeunesse de Priscilla ; la gestion rigide d'Elvis de sa vie à Graceland - mais Priscilla n'est pas une réinterprétation sinistre et didactique de l'histoire. Le film est pensif et calme, léger mais pas sans poids. Il suit une jeune femme alors qu'elle réalise les dures réalités qui se cachent derrière le brouillard d'un rêve, découvrant progressivement son autonomie alors qu'elle vit si éclipsée par l'héritage grandissant de son mari. C'est un film d'apprentissage - avec un travail tout en douceur de Cailee Spaeny et Jacob Elordi - qui cartographie délicatement une ascension vers l'âge adulte durement gagné. Priscilla trouve son indépendance, tout en sachant, fièrement et avec un peu de tristesse, qu'elle est à jamais liée à quelque chose qui lui est extérieur, quelque chose d'éternel.

Martin Scorsese’s film is long and grinding. So too is America’s history of greedy, racist violence, a truth laid painstakingly bare in this careful, curatorial adaptation of David Grann’s nonfiction book. Robert De Niro and Leonardo DiCaprio play terrible men doing terrible things in 1920s Oklahoma. Specifically, they are robbing and murdering Osage people to steal their money, their land, and their oil, a microcosm of the larger genocide that stains and defines the nation. As Mollie Burkhart, one of the Osage people preyed upon, Lily Gladstone gives the film a beating heart, even if that thump is faint amid such degradation and ruin. Killers of the Flower Moon may be yet another Scorsesian examination of violent men and the organizations they build around their impulses. But it does something different, more expansive, than do, say, Goodfellas or Gangs of New York. Like The Irishman before it, Killers of the Flower Moon finds its golden-years filmmaker at a point of weary reconsideration. The thrill is gone, and what’s left is only the horror—the bloody aftermath of an avarice perhaps uniquely ours.

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