New York se termine en beauté avec une finale sur le thème d'Edgar Allan Poe.

Alors que la Fashion Week de New York se terminait après six jours de superbes collections, mais des problèmes de logistique et de planification pas si importants qui ont obligé certains acheteurs, la presse et divers invités à choisir entre deux défilés. Pour de nombreux spectacles consécutifs, passer de l’un à l’autre était impossible. Les plaintes du public ont été nombreuses, mais les instances dirigeantes ont le sentiment que les calendriers et les lieux échappent à leur contrôle. Bien que la navigation dans les spectacles soit délicate partout, New York est particulièrement difficile en raison de sa fascination pour les arrondissements extérieurs et, peut-être, parce que les offres ne sont pas considérées comme aussi excitantes. Deux collections de mercredi constituent un argument de poids contre cette notion.

Le créneau horaire de 17 heures le mercredi était peut-être le chant du cygne de la NYFW, mais Thom Browne avait un autre oiseau en tête pour sa collection homme et femme automne 2024/2025 : « The Raven ».

Alors que les invités entraient dans le vaste espace d'exposition de The Shed, ils ont découvert une scène d'arbres stériles et de neige flanquée d'une pièce maîtresse d'un présentoir de doudounes de style Chesterfield de 30 pieds de haut, tenu par un mannequin. Une vitre géante et crasseuse, brisée à un endroit, permettait aux mannequins d'entrer sur la piste.

Le poème d'Edgar Allen Poe lu à haute voix par l'actrice de The Gilded Age Carrie Coon suffisait pour la bande originale puisque le personnage principal de Browne, le Corbeau, apparaissait dans une « étole de smoking déchiqueté faite de bandes de mohair et de soie noirs, de toile et de doublure, de gros-grain et Étiquettes; sous son corsage trompe-l'œil en sergé de soie blanche, des spirales de rubans brodés à la main en forme de plumes serpentent le long d'une jupe en crêpe de laine", selon un communiqué de presse, mais résume parfaitement les subtilités des créations de Browne. Sur sa tête se trouvait un désordre de merles flottant et de tulle sur un haut-de-forme.

En coulisses, Browne a parlé à FashionNetwork.com de la collection, qui semblait plus sinistre que certains de ses thèmes précédents, généralement tirés de l'iconographie américaine et d'un camp si extrême qu'il rivalise avec la couture, notamment en raison du haut niveau d'artisanat et d'imagination qui entre dans sa collection. vêtements.

"C'est sombre, mais c'est romantiquement sombre. Cela semble fidèle à l'histoire, donc pas si heureux mais romantiquement beau et charmant", a-t-il déclaré, ajoutant: "Je suis un designer américain; j'aime que les gens voient que je suis "Américain et les sensibilités avec lesquelles je joue et beaucoup l'iconographie [je fais référence]. Edgar Allen Poe est un auteur américain très important. J'ai pensé qu'il était important d'utiliser un poème de lui qui correspondait à l'ambiance que je voulais créer", a-t-il déclaré. expliqué.

Une chose qui a contribué à garder la lumière était les quatre enfants qui sont apparus un par un sous le tipi créé par la statue menaçante, avec des bras mobiles. Les enfants ont rejoint le Corbeau et ont saupoudré des confettis « graines pour oiseaux » autour des paramètres du décor délimités par une clôture à rails fendus ; leur pure curiosité et leur émerveillement étaient un spectacle joyeux.

Dans les coulisses, Browne a fait référence à l'illustrateur de caricatures français Georges Goursat, alias SEM, dont les dessins d'insectes portant des tenues formelles telles que des fracs, qui informaient les tresses qui dépassaient de la tête des modèles imitant les antennes ; les tresses se poursuivaient souvent sous forme de banderoles suspendues aux vêtements qui manipulaient et étendaient les morceaux qui composent les vêtements traditionnels sur mesure de manière inconcevable. Browne a cimenté son ADN de conception sur cet exploit et continue d'étonner.

"Je joue avec la déconstruction depuis un moment et j'aime jouer avec l'idée de tous les éléments d'une veste, d'un pantalon, d'une jupe et d'un manteau et les mélanger de manière à rendre la couture plus intéressante pour les gens", a-t-il expliqué. Ainsi, un combo traditionnel de veste de costume noir et de chemise blanche a été remanié pour se poser comme un châle sur l'épaule et cintré et exagéré au milieu pour ressembler à des gilets victoriens. Un style particulièrement frappant utilisait différentes itérations de plaids noirs et blancs. Dans certains cas, une bosse donnait du volume au haut du dos. Chez d'autres, les épaules étaient fortement rembourrées et extrêmement larges pour imiter le merle.

"Les deux formes des détails imposants des épaules ressemblent presque à un corbeau fondant", a déclaré Browne.

Le poème répète plusieurs mots tels que « plus jamais », qui étaient éclaboussés sur des vestes en tweed qui semblaient être au hasard semi-enduites de goudron et dont les manches dégoulinaient de rubans ; des corbeaux et des fleurs apparaissaient sous la forme de silhouettes en intarsia de velours noir sur des tissus blancs ; les smokings déconstruits avaient des détails de bretelles transformables, une veste de style boléro surmontée de jupes fines à taille large que Browne disait avoir tirées des années 1910. Conformément à la marque, des accessoires pleins d'esprit tels que des bottines à plateforme, des chaussures richelieu pour hommes et une myriade de modèles de sacs ont été recouverts de plastique à la manière des meubles de salon de la grand-mère. Les cannes étaient naturellement surmontées de têtes de corbeau dorées.

Un groupe de robes de style cape cocon a introduit un look final sur l'or, principalement la seule couleur de la collection. "L'ambiance de la collection se prêtait à une collection en noir et blanc, mais aussi, je me mettais au défi en prenant les deux couleurs et en m'assurant qu'il y avait beaucoup de profondeur dans chacune", a-t-il expliqué, proposant ceci pour un dernier look métallique brillant. .

"C'était la fin de l'épisode de cette saison de l'heure du conte de Thom Browne ; peut-être que la prochaine fois j'explorerai un autre poème de Poe, "The Golden Bug", peut-être, nous verrons."

Dans un geste audacieux, Brandon Maxwell a choisi l'un des lieux isolés qui, jusqu'à présent, était strictement le territoire de Gabriela Hearst, le Brooklyn Navy Yard. Elle a récemment été reconvertie en centre de production cinématographique et télévisuelle et ressemble à une petite ville. Dans les coulisses, Maxwell a expliqué que le mouvement, qui se balançait sur un tapis blanc avec des panneaux blancs de plus de 40 pieds de haut flanquant le haut de la piste, constituait sans doute un espace de spectacle spectaculaire - plus encore que l'espace Agger Fish - et visait essentiellement à créer un fil de la collection précédente.

"Pour ma collection de printemps en septembre, c'était une boîte blanche et très étroite avec environ 93 personnes, donc cet espace est la version la plus grande de l'idée en termes d'espace. J'ai commencé chaque collection en même temps", a-t-il déclaré à FashionNetwork. com après le spectacle.

Maxwell a soutenu que les similitudes s’arrêtaient là malgré l’ambiance plus douce qui prévalait. "Pour le printemps, j'étais dans un état de colère, traversant certaines choses comme on le fait quand on a 39 ans. Et il y avait des nœuds durs avec les bijoux, mais ils étaient aussi doux et drapés. J'ai exploré cet espace entre dur et "Doux. Quand la marque a commencé, elle était très structurée, rigide", a-t-il déclaré, notant que la dureté a cédé la place à la force personnelle et à une approche plus douce.

L'ourlet superposé de la robe d'ouverture en blanc flottait sur la piste comme des vagues s'écrasant sur le rivage (ponctué par des pompes rouges de pompier qui vérifiaient de nombreux looks et étaient un clin d'œil à l'obsession d'enfance de Maxwell pour Dorothy du Magicien d'Oz.) le corsage de la robe présentait des bords de motif inachevés qui créaient un rabat doux tout en s'ajustant également sur le haut du corps, démontrant la tension.

Les deux tirages de la collection ont été tirés d'images prises par Maxwell lors d'un voyage dans le Sud-Ouest, où le créateur a eu un moment incroyable de découvrir la beauté de la destruction de la nature, dont celle des montagnes. Cette clarté s'est infiltrée dans l'approche : une programmation de défilés resserrée de 53 à 35 looks et un showroom rempli de pièces auxiliaires pour lancer un marché de vente fort. "Une exploration du dur et du doux ; c'est là que j'en suis. Je suis concentré sur ma vie post-pandémique et post-autres choses, et j'ai une attention renouvelée sur cette marque qui porte mon nom", a-t-il ajouté.