New York endet mit einem Edgar Allen Poe-basierten Finale auf einem Höhepunkt.

Als die New York Fashion Week nach sechs Tagen voller toller Kollektionen, aber nicht so toller Logistik- und Terminprobleme zu Ende ging, mussten einige Käufer, die Presse und verschiedene Gäste zwischen zwei Shows wählen. Bei vielen aufeinanderfolgenden Shows war es unmöglich, von einer zur nächsten zu gelangen. Die Beschwerden des Publikums waren groß, aber die Leitungsgremien haben das Gefühl, dass die Zeitpläne und Veranstaltungsorte nicht in ihrer Hand liegen. Während die Navigation in Shows überall schwierig ist, stellt New York aufgrund seiner jüngsten Faszination für Außenbezirke und vielleicht auch deshalb, weil die Angebote nicht annähernd so aufregend angesehen werden, eine besondere Herausforderung dar. Zwei Kollektionen am Mittwoch sind ein starkes Argument gegen diese Vorstellung.

Der Zeitschlitz am Mittwoch um 17 Uhr war vielleicht der Abgesang für NYFW, aber Thom Browne hatte für seine Herbstkollektion 2024/2025 für Herren und Damen einen anderen Vogel im Sinn: „The Raven“.

Als die Gäste den riesigen Ausstellungsraum im „The Shed“ betraten, entdeckten sie eine kahle Baum- und Schneeszene, flankiert von einem Mittelstück einer 30 Fuß hohen Daunenmantel-Ausstellung im Chesterfield-Stil, die von einem Model besetzt war. Ein riesiges, schmutziges Fenster, das an einer Stelle zerbrochen war, ermöglichte den Models den Zutritt zum Laufsteg.

Für den Soundtrack reichte das Gedicht von Edgar Allen Poe, das von der Schauspielerin Carrie Coon aus „The Gilded Age“ vorgelesen wurde, als Brownes Hauptfigur, der Rabe, in einer „Stola“ aus zerfetztem Smoking aus schwarzen Mohair- und Seidenstreifen, Segeltuch und Futter, Ripsband usw. erschien Etiketten; „Unter ihrem Trompe-l'oeil-Mieder aus weißem Seidentwill winden sich Spiralen aus handgestickten, federähnlichen Bändern über einen Kreppwollrock“, heißt es in einer Pressemitteilung, fasst aber die Feinheiten von Brownes Kreationen perfekt zusammen. Auf ihrem Kopf war ein flatterndes Durcheinander aus Amseln und Tüll über einem Zylinder.

Backstage sprach Browne mit FashionNetwork.com über die Kollektion, die düsterer wirkte als einige seiner vorherigen Themen, die normalerweise aus der amerikanischen Ikonographie stammt und so extrem ist, dass sie mit der Couture mithalten kann, insbesondere aufgrund des hohen Maß an Handwerkskunst und Fantasie, das in seine Kollektion einfließt Kleidung.

„Das ist düster, aber romantisch düster. Es fühlt sich der Geschichte treu an, also nicht so glücklich, aber romantisch schön und lieblich“, sagte er und fügte hinzu: „Ich bin ein amerikanischer Designer; ich möchte, dass die Leute das sehen.“ „Amerikanisch und die Sensibilitäten, mit denen ich spiele, und viel die Ikonographie [auf die ich mich beziehe]. Edgar Allen Poe ist ein so wichtiger amerikanischer Autor. Ich hielt es für wichtig, ein Gedicht von ihm zu verwenden, das sich wie die Stimmung anfühlte, die ich erzeugen wollte“, sagte er erklärt.

Eine Sache, die dazu beitrug, dass es hell wurde, waren die vier Kinder, die eines nach dem anderen unter dem Tipi hervorkamen, das von der drohenden Statue mit beweglichen Armen geschaffen wurde. Die Kinder schlossen sich dem Raben an und streuten „Vogelfutter“-Konfetti um die durch geteilte Gitterzäune abgesperrten Parameter des Sets; Ihre reine Neugier und ihr Staunen waren ein freudiger Anblick.

Backstage bezog sich Browne auf den französischen Karikaturillustrator Georges Goursat, alias SEM, dessen Zeichnungen von Insekten formelle Kleidung wie Fracks trugen, die aus Zöpfen bestanden, die aus den Köpfen der Models herausragten und Antennen imitierten; Die Zöpfe blieben oft als Luftschlangen bestehen, die von den Kleidungsstücken herabhingen und die Teile, aus denen traditionelle maßgeschneiderte Kleidung besteht, auf unvorstellbare Weise manipulierten und verlängerten. Browne hat seine Design-DNA auf dieser Leistung gefestigt und verblüfft dennoch immer wieder.

„Ich spiele schon seit einiger Zeit mit Dekonstruktion und ich liebe es, mit der Idee aller Elemente von Jacke, Hose, Rock und Mantel zu spielen und sie auf eine Weise zu mischen, die das Schneidern für die Menschen interessanter macht“, erklärte er. So wurde eine traditionelle Kombination aus schwarzer Anzugjacke und weißem Hemd so umgestaltet, dass sie wie ein Schal auf der Schulter lag, und in der Mitte betont und übertrieben, um viktorianischen Westen zu ähneln. Ein besonders auffälliger Stil verwendete verschiedene Variationen von schwarzen und weißen Karos. In manchen Fällen verlieh ein Buckel dem oberen Rücken Volumen. Bei anderen waren die Schultern scharf gepolstert und extrem breit, um die Amsel nachzuahmen.

„Die zwei Formen der imposanten Schulterdetails wirken fast wie ein herabstürzender Rabe“, sagte Browne.

Das Gedicht wiederholt mehrere Wörter wie „nevermore“, das auf Tweedjacken gespritzt war, die aussahen, als wären sie willkürlich teilweise mit Teer überzogen, deren Ärmel von Bändern trieften; Krähen und Blumen erschienen als Intarsien-Silhouetten aus schwarzem Samt auf weißen Stoffen; Dekonstruierte Smokings hatten verwandelbare Riemendetails, Jacken im Bolero-Stil und schmale Rockstile mit Cumberband-Taille, die Browne seiner Aussage nach aus den 1910er-Jahren übernommen hatte. Passend zur Marke wurden witzige Accessoires wie Plateaustiefeletten, Herren-Brogues und unzählige Taschendesigns mit Plastik überzogen, ganz im Stil von Großmutters Wohnzimmermöbeln. Spazierstöcke waren natürlich mit goldenen Rabenköpfen gekrönt.

Eine Reihe von Kleidern im Kokon-Cape-Stil gaben Gold einen letzten Look, der einzigen Farbe in der Kollektion. „Die Stimmung der Kollektion bot sich für eine Schwarz-Weiß-Kollektion an, aber ich habe mich auch selbst herausgefordert, indem ich die beiden Farben genommen habe und darauf geachtet habe, dass jede viel Tiefe hat“, erklärte er und bot dies für einen glänzenden metallischen letzten Look an .

„Das war das Ende der Episode dieser Staffel der Thom Browne-Story-Stunde; vielleicht werde ich das nächste Mal ein anderes Poe-Gedicht untersuchen, „The Golden Bug“, vielleicht, wir werden sehen.“

In einem gewagten Schritt wählte Brandon Maxwell einen der abgelegenen Orte, der bisher ausschließlich Gabriela Hearsts Revier gehörte: den Brooklyn Navy Yard. Es wurde kürzlich zu einem Dreh- und Angelpunkt für Film- und Fernsehproduktionen umfunktioniert und gleicht einer Kleinstadt. Hinter der Bühne erklärte Maxwell den Umzug, bei dem ein weißer Teppich mit über 40 Fuß hohen weißen Paneelen am oberen Rand des Laufstegs zum Einsatz kam, was wohl zu einem dramatischen Ausstellungsraum führte – noch mehr als der Agger Fish-Raum – und es vor allem darum ging, einen zu schaffen Thread aus der vorherigen Sammlung.

„Für meine Frühlingskollektion im September war es eine weiße Kiste und mit rund 93 Personen sehr eng, daher ist dieser Raum räumlich gesehen die größere Version der Idee. Ich habe mit jeder Kollektion gleichzeitig begonnen“, sagte er gegenüber FashionNetwork. com nach der Show.

Maxwell beharrte darauf, dass die Ähnlichkeiten damit endeten, trotz der vorherrschenden sanfteren Stimmungen. „Für den Frühling war ich wütend und habe einige Dinge durchgemacht, wie man es mit 39 Jahren macht „weich. Als die Marke begann, war sie sehr strukturiert und starr“, erinnerte er sich und bemerkte, dass die Härte der persönlichen Stärke und einem sanfteren Ansatz gewichen sei.

Der mehrlagige Saum des Eröffnungskleides in Weiß schwebte über den Laufsteg wie Wellen, die ans Ufer krachen (unterbrochen von feuerwehrroten Pumps, die viele Blicke auf sich zogen und eine Anspielung auf Maxwells kindliche Obsession mit Dorothy aus „Der Zauberer von Oz“ waren). Das Oberteil des Kleides wies unbearbeitete Musterkanten auf, die eine weiche Klappe bildeten und sich gleichzeitig eng an den Oberkörper anschmiegten, was die Spannung demonstrierte.

Die beiden Drucke der Kollektion wurden aus Bildern ausgewählt, die Maxwell auf einer Reise in den Südwesten machte, wo der Designer einen Aha-Moment hatte, als er Schönheit in der Zerstörung der Natur entdeckte, darunter auch Berge. Diese Klarheit ist in den Ansatz eingeflossen: ein von 53 auf 35 Looks gestrafftes Showprogramm und ein Showroom voller Zusatzteile, um einen starken Absatzmarkt zu eröffnen. „Eine Erkundung von Hart und Weich; das ist es, wo ich bin. Ich konzentriere mich auf mein Leben nach der Pandemie und nach anderen Dingen, und ich habe einen erneuten Fokus auf diese Marke, die meinen Namen trägt“, fügte er hinzu.